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MDA 프레임워크는 게임을 Mechanics, Dynamics, Aesthetics라는 세 관점으로 나누어 분석하는 게임 디자인 방법론이다.

여기서 MDA는 각각 M(Mechanics; 역학), D(Dynamics; 동역학), A(Aesthetics; 미학)을 의미하며, 각 알파벳의 첫 글자를 따와서 MDA가 되었다.

이 방법론은 게임 디자이너와 플레이어 사이의 인식의 괴리를 줄이고, 게임의 재미가 어디에서 오는지 설명하는 데 도움을 준다.

본문에서는 MDA의 각 구성 요소, 그 관계, 8대 미학, 그리고 실제 게임 콘텐츠 설계에 어떻게 적용하는지까지 소개할 예정이다.

MDA 프레임워크의 정의

MDA(프레임워크)는 게임을 이해하기 위한 공식적인 접근 방식으로, 게임 디자인과 개발, 게임 비평 및 기술적 게임 연구 사이의 격차를 메우려는 시도입니다.

이 방법론은 게임 개발의 반복적인 프로세스를 더 명확하게 하고 강화하는 데 도움이 됩니다.

우리는 이 방법론이 게임 개발자, 학자, 연구자를 막론하고 게임 디자인과 게임의 구성 요소의 광범위한 범주를 분석하고 연구하는 데 도움이 될 것이라고 믿습니다.

Robin Hunicke, Marc LeBlanc, Robert Zubek
‘MDA: A Formal Approach to Game Design and Game Research‘

논문에서 제시한 이 정의를 조금 더 풀어보면, MDA 프레임워크는 개발자가 설계한 메커닉스(M)가 어떻게 플레이어의 행동(D)과 감정적 경험(A)으로 이어지는지 설명하는 데 사용하기 위한 개념이다.

MDA 프레임워크의 핵심은, 개발자가 생각하는 게임과, 플레이어가 게임을 통해 기대하거나 경험하는 순서는 정확히 반대된다는 점에 있다.

게임 디자이너는 M → D → A 순서로 사고한다.

메커닉스(M)를 먼저 설계하고, 그 메커닉스에서 나오는 플레이어 행동과 상호작용(D)을 예측한 뒤, 그 결과로 만들어지는 감정적 경험(A)을 목표로 한다.

플레이어는 A → D → M 순서로 경험한다.

먼저 게임이 주는 재미와 감정을 느끼고(A), 그 감정을 만들어내는 행위와 패턴(D)을 관찰한다. 그리고 그 행위와 패턴 뒤에 숨겨진 규칙과 수치(M)를 나중에 깨닫는다.

MDA 프레임워크가 왜 필요할까

개발자와 플레이어의 인식의 차이 해결

개발자와 플레이어 사이의 인식의 괴리는 꽤 오래 전부터 존재해 왔다.

마치 이 둘 사이의 관계는 ‘화성에서 온 남자, 금성에서 온 여자’와 같아서, 서로 같은 주제로 이야기를 해도 서로 말이 안 통한다는 게 특징이다.

예를 들어, ‘게임 튜토리얼‘을 두고 개발자와 플레이어의 관점은 서로 이렇게 다르다.

개발자 관점

• “튜토리얼은 8단계로 나누어서, 한 단계당 1초 안에 이해할 수 있게 쉽게 짰다.”
• “각 단계마다 버튼 색상·하이라이트·툴팁을 넣어서, 놓칠 래야 놓칠 수가 없다.”

플레이어 관점

• “뻔한 이야기를 너무 길게 질질 끌어서 처음부터 게임의 흥미가 식었다.”
• “내가 게임을 플레이하는 게 아니라 단순히 버튼을 누르는 사람이 된 것 같다.”

개발자는 ‘인터랙션 M -> 피드백 D -> 게임의 이해 A’를 의도했지만, 실제 플레이어는 튜토리얼 전체의 길이와 압박감이라는 A를 먼저 느끼고, 그 뒤에야 ‘버튼의 중요성 D’ 순으로 게임을 이해하게 된다.

결과적으로 ‘튜토리얼이 잘 설계됐다’는 개발자의 인식과 ‘튜토리얼이 답답하다’는 플레이어의 인식이 충돌하며 괴리가 생기게 되는 것이다.

MDA 프레임워크를 이해한다면, 이러한 개발자와 플레이어 사이의 괴리를 사전에 고려하며 게임을 기획할 수 있으므로, 유저 경험에 입각한 게임 설계가 가능해진다.

부서마다 서로 다른 ‘입장 차이’ 좁히기

게임은 기획, 프로그래밍, 아트, 사운드, 운영, QA 등 여러 부서가 함께 만드는 작업이다.
문제는 각 부서가 “무엇이 가장 중요한 경험인가?”를 완전히 다르게 본다는 점이다.

• 기획은 “플레이 경험의 흐름과 밸런스”를,
• 아트는 “시각적 몰입감과 연출”을,
• 프로그래밍은 “시스템 안정성과 성능”을,
• 운영은 “수익 구조와 콘텐츠 회전률”을,
• 사운드는 “분위기와 감정 전달”을
  각자 가장 중요한 ‘중요도’로 인식한다.

이렇게 각 부서의 우선순위가 다르다 보니, 같은 기능이나 콘텐츠를 두고도
의견이 충돌하고, “이 기능 필요 없다” “이건 왜 못 고치냐” 같은 다툼이 생기기 쉽다.

실무 예시: ‘튜토리얼의 길이’에 관한 기획 vs 운영 관점 차이

• 기획 측 인식
  • “튜토리얼은 게임의 기본적인 인터랙션을 모두 학습시켜야 하니까, 모든 조작 요소를 가이드하는 튜토리얼 8개를 만든다.”
  • 기획자는 “튜토리얼이 게임의 핵심 메커닉스를 얼마나 잘 전달하는지“를 중요하게 여긴다.
• 운영 측 인식
  • “튜토리얼이 길면, 유저가 이탈률이 올라가고, 유입 전환률이 떨어진다.”
  • “게임 초반 구간은 기능이 잘 설계됐는지보다, 초반 구간 n초 이내에 게임의 핵심 재미(예: 전투, 캐릭터, 연출)를 보여줄 수 있는지가 더 중요하다.”
• 결과
  • 기획: “알아야 할 기능을 다 넣자, 안 그럼 나중에 유저가 게임을 따라갈 수 없게 된다.”
  • 운영: “일단 빨리 전투와 캐릭터를 보여주고, 나머지는 게임 중에 조금씩 배우게 하자.”
  • 이렇게 M(기능 설명) 과 A(초기 재미·기대감)을 생각하는 각 부서의 중요도는 서로 다르다.

이처럼 각 부서는 각자의 KPI와 경험을 중심으로 ‘중요도’를 정의한다.

하지만 MDA 프레임워크를 알고 이러한 상황을 맞닥뜨린다면, 인식 차이를 줄이는 데 도움이 될 수 있다.

세 가지 구성 요소: M, D, A

MDA 프레임워크는 게임을 세 가지 층위로 나눈다.

바로 Mechanics(역학), Dynamics(동역학), Aesthetics(미학)이다.

이 세 가지는 단순히 “게임의 요소”를 분류하는 데 그치는 게 아니라, 서로 인과적으로 연결된 층위다.

Mechanics가 Dynamics를 만들어내고, 그 Dynamics가 쌓여 플레이어가 느끼는 Aesthetics가 된다.

그리고 이 세 층위를 분리해서 바라볼 때, 각각이 서로에게 어떤 영향을 주고받는지 더 선명하게 보인다.

Mechanics(역학)

메커닉스는 게임의 기본 구성 요소다.

게임의 규칙, 수치, 행동 가능 범위 등 게임을 만드는 가장 기본적인 요소들이 메커닉스에 해당한다.

게임 플레이어에게 허용된 모든 행동, 조작 방식, 그리고 제약사항 등이 메커닉스다.

“플레이어가 게임에서 어떤 행위를 할 수 있는가”를 정의하는 단계가 바로 여기에 해당한다.

게임에서의 예시를 들면 이렇다.

• 카드 게임: 카드 섞기, 패 가져가기, 배팅 하기
• 슈팅 게임: 무기 종류, 탄약량, 라이프 (개수 또는 수치), 리스폰 포인트
• RPG: 캐릭터 조작 인터페이스, 필드 오브젝트, 인벤토리

이처럼 메커닉스는 게임의 기본 요소이자, 플레이어가 직접 조작하는 ‘입력창’이다. 개발자가 설계하고 코드로 구현하는 대부분의 작업이 여기에 해당한다.

Dynamics(동역학)

Dynamics는 Mechanics가 실제로 작동하면서 만들어지는 행동 패턴이다.

이는 설계된 게 아니라 ‘발생하는 것’이다. 개발자가 어떠한 기능을 직접 만들어 넣는 것이 아니라, Mechanics와 플레이어가 상호작용하면서 자연스럽게 창발(emerge)되는 행동이다.

게임에서의 예시를 들면 이렇다.

• 카드 게임의 Mechanics(배팅, 패 가져가기)에서 블러핑은 Dynamics에 해당한다.
• 슈팅 게임의 Mechanics(스폰 포인트·저격총)에서 본진지키기&저격은 Dynamics에 해당한다.
• RPG의 Mechanics(제한시간, 보상)에서 타임어택 보스 레이드는 Dynamics에 해당한다.

보다시피, 동역학에 해당하는 ‘블러핑’이나 ‘본진지키기’, ‘타임어택’ 같은 요소는 개발자의 의도와 관계없이 나타날 수 있다는 점이다.

이러한 플레이 방식을 만들어 넣은 개발자는 없지만, 플레이어는 여러 차례에 걸친 플레이를 바탕으로 그러한 행동을 스스로 발견하고 익힌다.

바로 이 점 때문에 Dynamics를 설계하거나 예측하는 게 게임 디자인에서 가장 어렵고, 가장 중요한 영역 중 하나가 된다.

Aesthetics(미학)

Aesthetics는 플레이어가 게임 시스템과 상호작용할 때 불러일으키는 바람직한 감정적 반응이다.

여기서 ‘미학(Aesthetics)’이라는 단어를 처음 보면 ‘시각 디자인’ 또는 ‘예술’을 떠올리기 쉽지만, MDA 프레임워크에서 말하는 Aesthetics는 전혀 다른 의미이다.

한 마디로, 플레이어가 느끼는 재미의 종류(감정적 반응과 경험)를 지칭한다.

플레이어는 게임 플레이 과정에서 다양한 감정을 느끼거나 경험을 할 수 있는데 그러한 총체적인 반응이 모여 그 게임의 ‘재미’라는 평가로 귀결된다.

그런데 ‘재미’라는 감정은 사람마다 다르고, 같은 게임을 두고도 완전히 다른 반응이 나온다. (이 내용은 뒤에서 더 자세히 다룬다.)

아래는 MDA Framework 논문에서 소개한 실제 게임과 관련 Aesthetics이다.

이처럼 같은 ‘재미있는 게임’이라도, 어떤 Aesthetics를 강조하느냐에 따라 게임의 성격이 달라진다.

Charades는 Fellowship(유대감)을 중심으로 재미를 만들고, Quake는 Challenge(도전)를 핵심으로 삼는다.

둘 다 재미있는 게임이지만, 전혀 다른 방식으로 재미를 만든다.

MDA 프레임워크의 관계성

디자이너와 플레이어가 게임을 바라보는 방향은 반대다

이 세 가지 구성 요소는 서로 긴밀한 관계성을 맺고 있다.

디자이너는 역학(M)을 통해 동역학(D)을 생성하며, 여기서 생성된 동역학은 미학(A)의 경험으로 전달된다.

반대로, 플레이어의 관점에서는 미학(A)으로부터 게임의 느낌(톤)이 전달된다. 미학은 관찰가능한 동역학(D)에 의해 생성되며, 이 동역학은 역학(M)에 의해 창발된다.

이것을 도식화하면 아래와 같다.

왜 이런 일이 생길까?

게임 디자이너는 Aesthetics(미학)을 직접 만들어 넣을 수 없기 때문이다.

디자이너가 직접 손댈 수 있는 건 오직 Mechanics뿐이다. 코드를 짜고, 수치를 정하고, 규칙을 설계하는 것이 바로 디자이너가 하는 일이다. 그 Mechanics가 플레이어의 ‘플레이’를 통해 Dynamics가 만들어지며, 그 Dynamics가 쌓여 Aesthetics가 된다. 그래서 디자이너는 자연스럽게 M → D → A 순서로 생각하는 것이다.

반면 플레이어는 게임 내부 수치나 알고리즘을 전혀 모른 채 게임을 시작한다. 플레이어가 가장 먼저 마주치는 건 Aesthetics(감정적 경험)이다. “재미있다”, “답답하다”, “긴장된다”는 감정을 먼저 느끼고, 그 다음에 왜 그런 감정이 들었는지 Dynamics를 관찰하게 되며, 마지막으로 이 게임이 어떤 규칙으로 작동하는지 Mechanics를 이해하게 된다.

개발자가 놓치기 쉬운 함정

이러한 인식 속도의 차이가 바로 개발자와 플레이어 사이의 인식 괴리가 발생하는 구조적 원인이다.

예시를 하나 들어보자.

슈팅 게임 개발자가 있다. 그가 가진 기획 의도와 게임 디자인 요소가 이렇다고 가정해보자.

• Mechanics: 스나이퍼 라이플, 엄폐물, 스폰 포인트
• 의도한 Dynamics: 플레이어가 이동하며 교전하는 역동적인 전투
• 목표한 Aesthetics: 긴장감 + 도전

그런데 실제 플레이어들은 이렇게 행동했다.

• 엄폐물 뒤에서 움직이지 않고 저격만 하는 ‘우주방어’ 플레이가 대세가 됨
• 일부 플레이어는 이것을 재미있다고 느끼나, 또 다른 플레이어는 “게임이 지루하다”고 이탈

개발자는 플레이어가 이동하면서 교전하는 경험을 바탕으로 ‘역동적인 전투’를 의도했지만, 실제 플레이는 리스폰 포인트 주위를 사수하며 다가오는 적을 사냥하는 ‘우주방어’로 나타났다.

개발자의 의도와 다른 플레이가 되었다고 해서 이것을 잘못됐다거나 나쁘다고 볼 수는 없지만, 우리가 얻을 수 있는 교훈은 바로 게임 디자이너가 메커닉스(M) 중심으로만 사고하면 Dynamics 단계에서 의도와 다른 행동이 창발되었을 때 그 결과로 미학(A)의 의도가 전혀 다르게 전달될 수 있다는 점이다.

디자이너가 미학(A)부터 사고하는 버릇을 들여야 하는 까닭

이러한 괴리를 줄이는 가장 효과적인 방법은, 게임 디자이너도 플레이어의 관점처럼 A → D → M 순서로 게임을 설계하는 것이다.

• 먼저 “이 게임을 플레이하는 플레이어에게 어떤 감정(A)을 주고 싶은가?”를 정하고,
• 그 감정을 만들어내기 위해 “어떤 행동 패턴(D)이 필요한가?”를 설계하고,
• 마지막으로 “그 행동 패턴을 만들어낼 수 있는 규칙과 수치(M)는 무엇인가?”를 결정한다.

이 순서로 접근하면, 게임의 모든 기능과 수치가 “플레이어 경험”이라는 명확한 목적지를 향해 설계된다.

그렇다면 여기서 자연스럽게 하나의 질문이 생긴다.

미학(A)이 플레이어가 느끼는 “재미”의 영역이라면, 그 재미는 구체적으로 어떤 종류가 있는 걸까?

MDA 프레임워크는 이 질문에 답하기 위해 “재미”를 8가지로 분류했다.

재미란 무엇인가 – 8대 미학(Aesthetics)

재미는 왜 설명하기 어려운가

MDA 프레임워크에서 Aesthetics가 “플레이어가 느끼는 재미의 영역”이라는 건 앞서 설명했다.

그런데 여기서 한 가지 문제가 생긴다.

“재미있다”는 말은 너무 추상적이다.

같은 게임을 두고도 누구는 재미있다고 하고, 누구는 전혀 재미를 못 느낀다.

그런데 서로 “왜 재미있었나요?”, “왜 재미없었나요?”라고 물어보면, 대부분의 사람들은 “그냥… 재미있었어요” 혹은 “그냥… 별로였어요”라고만 답한다.

이처럼 “재미”라는 단어 하나로는 게임의 어떤 경험이 좋았는지, 어떤 경험이 부족했는지를 설명하기 어렵다.

게임 디자이너 입장에서는 더욱 곤란하다. “재미있는 게임을 만들어라”는 방향만으로는 어디서부터 무엇을 설계해야 할지 잡히지 않기 때문이다.

MDA 프레임워크는 이 문제를 해결하기 위해 “재미”를 8가지 미학 유형으로 분류했다.

각 유형은 플레이어가 게임에서 경험할 수 있는 서로 다른 감정적 반응을 나타내며, “어떤 재미를 줄 것인가”를 디자이너가 더 구체적으로 이야기할 수 있게 해준다.

8대 미학 요소

MDA: A Formal Approach to Game Design and Game Research 에서 제시한 8가지 미학 유형은 다음과 같다.

1. 감각 (Sensation)
감각-쾌락으로서의 게임.

플레이어는 비주얼·오디오의 자극 그 자체를 즐긴다. 타격음, 이펙트, 배경음악, 진동 피드백이 여기에 해당한다.

• 예: 화려한 스킬 이펙트가 터질 때 느끼는 쾌감, 고품질 OST가 주는 몰입감.

2. 판타지 (Fantasy)
환상으로서의 게임.

플레이어는 현실에서 불가능한 세계관이나 역할을 경험하는 것을 즐긴다.

• 예: 마법사나 기사가 되어 싸우는 판타지 RPG, 우주를 탐험하는 SF 게임.

3. 내러티브 (Narrative)
드라마로서의 게임.

플레이어는 이야기의 흐름과 서사 안에서 감정을 경험하는 것을 즐긴다.

• 예: 선택지에 따라 결말이 달라지는 어드벤처 게임, 캐릭터와 감정적으로 연결되는 RPG.

4. 도전 (Challenge)
장애물 코스로서의 게임.

플레이어는 어려운 상황을 극복하고 목표를 달성하는 과정을 즐긴다.

• 예: 보스를 반복해서 도전하다 처음 클리어했을 때의 성취감, 높은 난이도의 퍼즐 해결.

5. 유대감 (Fellowship)
사회적 체제로서의 게임.

플레이어는 다른 플레이어와 함께 하거나 커뮤니티의 일원이 되는 경험을 즐긴다.

• 예: 길드·클랜 시스템, 협동 레이드, 멀티플레이어 파티 플레이.

6. 발견 (Discovery)
미지의 영역으로서의 게임.

플레이어는 새로운 것을 탐색하고 발견하는 경험을 즐긴다.

• 예: 오픈월드 맵을 자유롭게 탐험하거나, 숨겨진 루트와 비밀 아이템을 찾아내는 것.

7. 표현 (Expression)
자기발견으로서의 게임.

플레이어는 게임 안에서 자신만의 아바타·캐릭터·스타일을 만들고 표현하는 것을 즐긴다.

• 예: 캐릭터 외관 커스터마이징, 하우징 시스템, 패션 아이템 수집.

8. 순응 (Submission)
취미로서의 게임.

플레이어는 게임이 정해놓은 규칙과 흐름 안에서 편안하게 플레이하는 것 자체를 즐긴다.

• 예: 매일 반복적으로 퀘스트를 처리하며 스트레스를 해소하는 플레이, 가볍게 즐기는 모바일 캐주얼 게임.

이처럼 다양하게 존재하는 Aesthetics가 게임에서 어떻게 설계되느냐에 따라 그 게임의 성격이 달라진다.

MDA 프레임워크에 따르면 재미라는 용어는 이렇게 8가지로 더 구체적으로 분류할 수 있다.

플레이어는 게임을 즐기며 최소한 위의 8가지 요소 중 한 가지를 게임으로부터 경험할 수 있으며 그것이 자신의 취향에 맞는다면 더 즐겁게 게임을 할 수 있다는 것이다.

8대 미학은 많으면 무조건 좋은가? – 한계와 주의점

MDA 프레임워크 8대 미학을 이해하면 한 가지 오해가 생기기 쉽다.

“그럼 8가지 미학을 모두 다 넣으면 소위 말하는 갓겜이 되는 건가요?”

그렇지 않다.

8대 미학 요소를 모두 갖추고 있다고 해서 게임성이 더 뛰어나거나 더 재미있는 게임이 되는 건 아니다. “재미있다”는 감정은 그렇게 단순하게 공식화할 수 있는 개념이 아니기 때문이다.

오히려 특정 미학 요소가 다른 미학 요소를 방해할 수도 있다.

예를 들어, ‘내러티브 – 감각 – 표현’을 중심으로 즐기는 플레이어가 있다고 가정하자.

이 플레이어는 혼자 이야기에 몰입하며 캐릭터를 꾸미는 것을 즐긴다. 그런데 여기에 갑자기 ‘유대감(Fellowship)’ 요소, 즉 강제적인 협동 콘텐츠가 추가된다면? 그 플레이어에게는 즐거움이 늘어나는 게 아니라 오히려 원하지 않는 플레이를 강요 당한 결과 몰입을 방해하는 요소가 될 수 있다.

반대 사례도 있다.

B급 감성의 게임을 좋아하는 플레이어에게 지나치게 고퀄리티의 비주얼(감각 강화)을 넣으면, 오히려 게임의 분위기와 어울리지 않아 몰입을 깨는 결과가 나온다.

결론적으로, MDA 프레임워크의 8대 미학은 “더 많이 넣어야 하는 체크리스트”가 아니다.

어떤 플레이어 타겟에게 어떤 종류의 재미를 줄 것인가를 먼저 정하고, 그 재미를 방해하지 않는 선에서 나머지 요소를 보완하는 방향으로 활용하는 것이 더 적절하다.

MDA 프레임워크를 실무에서 어떻게 쓸까

메커닉스(M) 중심 설계의 문제

8대 미학을 이해했다면, 이제 실제로 MDA 프레임워크를 어떻게 게임 설계에 적용할 수 있는지 살펴보자.

MDA 프레임워크는 단순히 게임을 분석하는 도구에 그치지 않는다. 지금 내가 만들고 있는 게임을 설계할 때도 그대로 활용할 수 있다.

그런데 앞서 이야기했듯, 게임 디자이너는 자연스럽게 M 중심으로 사고하는 경향이 있다. 아래는 실제 게임 개발 현장에서 흔히 볼 수 있는 컨셉 단계 기획자의 고민이다.

게임 개발자는 6개월 안에 새로운 시스템-콘텐츠를 만들기로 했다. 현재 컨셉 단계에서 아이디에이션을 진행중이다. 

개발자는 '카드'를 이용해서 PVE를 즐길 수 있는 콘텐츠를 개발하기로 한다.

'카드'를 선택한 이유는 기존에 있는 2D 리소스를 재활용할 수 있기 때문이다. 카드 배틀 특유의 전략성이나 덱 싸움이 아니라, 본질은 캐릭터 게임이나 캐릭터를 카드로 표현한 것 뿐이다.

육성 단계에서 카드에 랜덤 스테이터스를 부여하는 아이디어도 추가했다.

이 기획의 문제점이 보이는가?

이 고민 전체가 Mechanics(카드, 랜덤 스테이터스, 리소스 재활용) 에 집중되어 있다.

만약 이 기획자가 플레이어에게 이 내용을 그대로 전달한다면, 플레이어는 “이 게임을 했을 때 어떤 기분이 들 것인가”를 머릿속으로 그리기가 어렵다.

A → D → M 관점 전환: 플레이어가 보는 방향 그대로 접근하기

이제 우리는 MDA 프레임워크를 배웠으니, 이 기획자에게 A → D → M 순으로 게임 디자인을 고민해보라고 조언할 수 있을 것이다.

• 첫째: M(역학)이 아니라 A(미학)을 먼저 고려해볼 것.
• 둘째: 8대 미학 중 어떤 재미를 주고 싶은지 먼저 정할 것.
• 셋째: 그 미학(A)이 동역학(D)으로 어떻게 연결될지 구체화할 것.

이 틀에 맞춰 기획자의 고민 방향을 A → D → M 순서로 재구성해보면 이렇게 된다.

M(역학)이 아니라 A(미학)을 먼저 고려해볼 것.

아직 구체적으로 카드 배틀이 어떤 재미를 줄 지는 모르겠지만, 카드 배틀 콘텐츠에서 플레이어에게 느끼게 하고 싶은 재미는 감각 – 내러티브 – 도전 – 표현이다.

그 미학을 어떤 동역학(D)으로 만들어낼 것인가?

카드 배틀에서는 미려한 디자인을 가지고 있고, 적을 공격할 때 이펙트가 터지는 등 타격감을 느낄 수 있다.

카드 배틀은 내러티브와 밀접한 관계가 있어서, 플레이어가 스토리에서 어떤 선택지를 골랐는지에 따라 카드의 효과가 달라질 수 있다.

카드 배틀은 전략성을 갖고 있어서, 플레이어는 전투에서 승리하기 위해 어느 정도 고민과 도전을 해야 한다.

카드 안에는 미려한 일러스트가 그려져있지만, 카드의 테두리나 카드 뒷면 디자인 또한 카드 배틀에서 승리하거나 스토리의 진행에 따라서 자신이 원하는 일러스트로 교체가 가능하다.

그 동역학(D)을 만들어낼 메커닉스(M)는 무엇인가?

감각을 위한 이펙트 시스템, 내러티브를 위한 분기 스크립트 시스템, 도전을 위한 턴 제한 수치, 표현을 위한 카드 스킨 테이블이 각각 필요하다.

이렇게 하면 기획자가 처음부터 “이 기능은 왜 필요한가? 어떤 재미를 위해 존재하는가?”를 명확히 답하면서 설계할 수 있다.

기능 하나하나가 플레이어 경험(A)이라는 목적지를 향해 연결되는 셈이다.

그리고 이 방식은 내가 만드는 게임에만 쓸 수 있는 게 아니다.

이미 출시된 게임을 분석할 때도, 협업 미팅에서 방향을 정리할 때도, “이 기능은 어떤 A를 위해 존재하는가?”라는 질문 하나로 논의를 단순하게 만들 수 있다.

글을 마무리하며

필자는 방법론을 ‘절반만 신뢰’하는 유형의 사람이다.

백날 방법론을 가지고 토론해봐야, 현장에서 실전에 응용할 수 없으면 아무 쓸모가 없다.

그 방법론이 무용지물이 되는 진짜 이유는 방법론 자체가 틀렸기 때문이 아니다. 실전에서 어떻게 응용하는지, 그 실제 사례를 보기가 너무 어렵기 때문이다.

애자일 방법론이 아무리 유용하다고 해도, 선언문을 그대로 지켜서 성공한 사례를 보기는 어렵다.

MDA 프레임워크도 마찬가지다. 이론 자체는 잘 정리되어 있지만, “현장에서 이렇게 써봤더니 이렇게 됐다”는 이야기는 여전히 찾기 어렵다.

MDA 프레임워크는 필자가 실무에서 직접 적용해보며 생각을 정리하는 데 실제로 도움이 된 방법론이다. 그래서 이 방법론이 무엇인지, 그리고 어떻게 응용할 수 있는지 소개하고 싶었다.

이 글이 게임 디자인 과정에서 벽에 부딪혀 지푸라기라도 잡고 싶은 마음인 단 한 분의 개발자께 도움이 되기를 바란다.

인용 및 참고

• https://users.cs.northwestern.edu/~hunicke/MDA.pdf (MDA 프레임워크 논문)
• https://en.wikipedia.org/wiki/MDA_framework
• https://dogy3045.tistory.com/11